Porque el fin de estas era la influencia del conflicto de posguerra una etapa de consecuencias y amargura en la sociedad, por los sucesos amargos y destructores de la segunda guerra mundial. Es por esto que Europa entra en una especie de crisis cultural y política, que trae como consecuencia una nueva perspectiva haciendo que ahora el foco artístico se encuentre en la nueva potencia, EUA.
2.- ¿Cómo influye el ambiente de posguerra terminada la segunda Guerra Mundial en el desarrollo del arte durante las siguientes décadas?:
En la mayor parte de los estilos, se ve reflejado la ansia por romper con el pasado, y fijar el presente con el sentir actual, mostrando una nueva cara irreverente de la sociedad como una forma de revelion ante el sentimiento de posguerra partiendo de nuevas técnicas, recursos y forma, esto apoyados en los nuevos recursos, medios de comunicación masiva y nuevas tecnologías como consecuencia de la segunda guerra mundial.
3.- ¿Cuáles son las razones por las que Estados Unidos se convierte en el principal centro de desarrollo del arte y la arquitectura en la segunda mitad del siglo XX?:
Porque EUA se convierte en la potencia numero uno a nivel mundial, ya que fue el menos afectado por la segunda guerra mundial, por esta razón emigran los artistas de Europa, pues sus países se encontraban en crisis, EUA los reconoce como propios, siendo estos los fundadores y protagonistas de los nuevos estilos.
4.- Explicar los siguientes elementos de las tendencias o estilos del arte de la segunda mitad del siglo XX:
- Expresionismo abstracto:
Antecedentes:El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 40 durante el siglo XX en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.
Características:
Pueden señalarse como características formales de este estilo, en primer lugar, su preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con oleo sobre lienzo. Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles.
Representantes:
Arshile Gorky (1904-1948), armenio exiliado a Nueva York desde 1925. Recibe la influencia del surrealismo y sirve de puente entre la pintura europea de entre guerras y la escuela norteamericana. Hacia el año 1936 abandona la figuración y opta por las figuras abstractas biomorfas. Aunque tendió a la abstracción y la espontaneidad, no prescindió completamente del dibujo ni renunció a controlar la pincelada.
William Baziotes (1912-1963), quien profundizó en la tendencia, de raíz jungiana, a investigar los mitos antiguos y el arte primitivo. Desde 1941 usó el «automatismo» pictórico, creando imágenes biomórficas con su sentido mítico.
Hans Hofmann (1880-1966), importante como docente. Su pintura tenía una base cubista, pero se fue haciendo abstracta en los años cuarenta, presentando en sus cuadros zonas de color que contrastaban entre sí; el estilo es emocional y vigoroso.
- Informalismo (Arte materico):
corriente pictórica, dentro del informalismo europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Se desarrolló desde finales de los años cuarenta y principios de los años cincuenta. Se considera que surgió en Francia, con la obra de Fautrier y Dubuffet. Además del Art brut de Dubuffet, puede considerarse que es pintura matérica el espacialismo de Fontana. Francia, Italia y España son, pues, los países en los que más se ha cultivado esta pintura matérica.
Caracteristicas:
Su característica principal es ser una pintura abstracta que se realiza con materias diversas a las tradicionales, incluyendo en el cuadro arena, arpillera, chatarra, harapos, madera, serrín, vidrio oyeso. Además de añadirle estos materiales no tradicionales, los pintores actúan sobre la obra destruyéndola en parte con cortes, perforaciones o desgarrones. El colorido es variado. La composición se diferencia entre zonas con materia y zonas de no materia.
Representantes:
con sus añadidos de arena y aglutinantes a la pintura, haciendo hendiduras y rayas en el propio cuadro, Antoni Tàpies i Puig (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 - ibídem, 6 de febrero de 2012) , fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.
introdujo en su obra objetos encontrados, creando trabajos pictórico-plásticos, Joseph Beuys (Krefeld, 12 de mayo de 1921 - Düsseldorf, 23 de enero de 1986) fue un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación.
usó arpillera quemada y destruida, junto a zonas coloreadas, Alberto Burri (Città di Castello, 12 de marzo de 1915 - Niza, 13 de febrero de 1995), fue un pintor y escultor abstracto italiano.
- Nueva figuración:
movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa frente a la abstracción, aunque los pintores tratan el tema de una manera informal y de manera expresionismo. Surge como reacción al arte abstracto tras la Segunda Guerra Mundial, en especial durante los años 1950 y 1960. España para representar una nueva forma de arte figurativo. En España se desarrolló hasta el año 1965, momento en el que se pasó a la figuración narrativa.
Características:
La nueva figuración preconizaba un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a representar la realidad, en particular la figura humana, pero con las técnicas del informalismo. Suele tener un sentido de denuncia social. Se aprecian tendencias expresionistas, en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas, como las obras de Francis Bacon, compuestas de manera desordenada. Se desarrollaron dos orientaciones de este movimiento: la caracterizada por el análisis de la imagen y de sus estructuras.
Representantes:
Chema Cobo ha nacido en el año 1952 en Tarifa (Cádiz). Es uno de los componentes de la Nueva figuración madrileña, aquel grupo de artistas ácidos e irónicos que abrieron nuevas vias en la España de la transición. En 1975, realiza su primer exposición individual en la galería Buades de Madrid.
Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, 12 de mayo de 1948) es un pintor y escultor español, integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los pintores más representativos del posmodernismo en España. Algunas fuentes le incluyen en una corriente que llaman neomanierismo.
- Arte pop:
movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.Características:
Las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen, con tecnicas puntillistas, y metodos de cartel e imprenta.
Representantes:
Andy Warhol (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987) fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.
Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923 – Nueva York, 29 de septiembre de 1997), pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic .
- Arte cinético:
El arte cinético, es una corriente de arte que surge tras la Segunda Guerra Mundial cuando aparece una nueva generación de artistas abstractos que representan a una técnica en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.
Características:
El artista no sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.
Representantes:
Víctor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).
Yaacov Agam (Rishon LeZion, Israel, 11 de mayo de 1928), artista cinético, plástico y escultor israelí. Su obra se destaca por la interactividad que existe entre artista y espectador ya que las obras de Agam suelen tener una pantalla y pequeñas perforaciones por las cuales la obra se ve de distintas maneras según el enfoque de quien mira su arte. Por otra parte, sus esculturas son generalmente de acero inoxidable y tienen grandes dimensiones.
- Hiperrealismo:
Tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del silglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el foto realismo que es menos radical.
Características:
Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.
Representantes:
Richard Estes (nacido el 14 de mayo de 1932 en Kewanee, Illinois) es un pintor estadounidense conocido por sus pinturas fotorrealistas. Conocido por sus cuadros de escaparates y escenas urbanas, utiliza varias diapositivas del mismo objeto, de modo que en sus cuadros se ve no sólo el escaparate sino también lo que hay dentro de la tienda y lo que se refleja en el cristal. Sus lugares públicos están desiertos, en un modo de abstraer la funcionalidad de lo representado que es típica del fotorrealismo.
Chuck Closet (Charles Thomas Closet, nacido el 5 de julio de 1940 en Monroe, Washington, EE.UU.) es un artista estadounidense, pintor y fotógrafo fotorrealista. utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más hacia el cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto objetivador de las fotografías clínicas y policiales . En su obra trata problemas como la percepción del espectador y la focalidad. Close no parte de la realidad sino que la aborda indirectamente a través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo.
- Nueva abstracción:
Surge en los Estados Unidos a finales de los años 50 como una concepción más formalista que las corrientes que se integran en la Abstracción Postpictórica. Sus antecedentes se encuentran en las actitudes más radicales de las primeras Vanguardias, particularmente en la Abstracción Geométrica, aunque sin vínculos con el espiritualismo que caracteriza a la producción de maestros como Vasili Kandinsky o Kasimir Malévich.
Características: La Nueva Abstracción rechaza todo lo que pudiera resultar anecdótico en beneficio de la máxima pureza del lenguaje. La obra se define como un sistema cerrado, casi siempre en gran formato, en el que predominan los colores puros, incluso primarios, en soluciones bicrómicas ó tricrómicas sin gradación tonal.
Representantes:
fernando ureña rib, nació en La Romana, República Dominicana el 21 de marzo de 1951. Inició sus estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Francisco de Macorís en 1963 obteniendo una beca del Estado de estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1968, donde concluye bajo la guía del maestro Jaime Colson.
- Minimalismo:
movimiento artístico, identificado con un desarrollo del arte occidental posterior a la segunda guerra mundial, iniciado en el año 1960. El término minimal fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard Wollheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los ready-made de Marcel Duchamp.
Características:
corriente abstracta tendente a la máxima simplificación de formas y colores, reducidas al mínimo para remarcar el componente conceptual de la creación artística con tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a los grupos o individuos que practican el ascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo, es también el significado a simplificar todo a lo mínimo. Este significado queda más claro si se explica que minimalismo en realidad quiere decir minimismo.
Representantes:
Robert Ryman (nacido el 30 de mayo de 1930) es un pintor estadounidense identificado con los movimientos de la pintura monocroma, el minimalismo, y el arte conceptual. La mayoría de sus obras presentan una pincelada influida por el expresionismo abstracto en pintura blanca sobre lienzos cuadrados o superficies metálicas.
Robert Mangold (North Tonawanda, Nueva York, 12 de octubre de 1937) es un pintor minimalista estadounidense, representante de la pintura minimalista, considerado más relevante que el sustrato material de la obra, que se ve depurada al planteamiento inicial del autor, la base sobre la que habría desarrollado la idea que, sin embargo, queda plasmada en su fase inicial.
- Arte conceptual:
El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa, EEUU y Japón.
Características:
El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.
Representantes:
Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés. con un mero mingitorio de porcelana común en el Salón de Artistas Independientes, como una manera de cuestionar la naturaleza del arte, dejando claro que cualquier cosa, con una buena idea como soporte, podía ser arte. Haciendo que lo que realmente importe es lo que nos quiere dar a entender, lo que nos quiere llevar a reflexionar y dejar de lado lo que representa. Diferencia entre lo que representa y lo que esta representado.
Robert Rauschenberg (* 22 de octubre de 1925, Port Arthur, Texas, 12 de mayo de 2008, Captiva Island, Condado de Lee (Florida)) fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop-Art del cual era uno de los principales representantes del mismo en su país. exhibe Dibujo de De Kooning Borrado, un dibujo de Willem De Kooning que Rauschenberg borró. Esta pieza levantó muchas preguntas acerca de la naturaleza fundamental del arte, provocando al espectador a considerar si borrar un dibujo de otro artista podía ser un acto creativo, así como si el trabajo sólo era "arte" porque el famoso Rauschenberg lo había hecho.
- Escuela Mexicana de pintura Siglo XX:
La Escuela Mexicana de Pintura, es un referendo a la etapa de la producción plástica en México a partir de 1921, cuando termina la Revolución y se instaura un régimen de reconstrucción del tejido social. La escuela mexicana se encarga de generar ese nacionalismo en imágenes de la primera mitad del siglo XX, en el que representan indígenas oprimidos por ricos explotadores. La pintura nacionalista en México, reemplazada en la segunda mitad del siglo, primero por la generación de la Ruptura, y luego por infinidad de movimientos y corrientes artísticas que se han dado en el país.
El artista de esta epoca, tenía total libertad para elegir los temas y mostrar un mundo nuevo sobre las ruinas, la enfermedad y la crisis política surgida tras la Revolución. Influidos por el rico pasado precolombino y colonial, los muralistas desarrollaron un arte monumental y público, de inspiración tradicional y popular, que ponía fin al academicismo reinante, exaltando su cultura y origen precortesiano.
El indigenismo tomó varios cauces. Por un lado está la concepción histórica de Diego Rivera: descripción minuciosa de una idílica vida cotidiana antes de la llegada de los españoles. Por otro, la de José Clemente Orozco, que integra las culturas indígenas en el contexto de una religiosidad violenta; su obra épica la realizó con suficiente ironía, amargura y agresividad como para encarnar una imagen verdadera y convincente del mundo moderno, con su despiadada lucha de clases, teniendo como tema obsesionante el del hombre explotado, engañado y envilecido por el hombre. Sólo David Alfaro Siqueiros se interesó por acercar a la pintura moderna los valores plásticos de los objetos prehispánicos. Sus obras muestran colores vivos, que rememora la revolución del pueblo, y la incorporación de su historia indígena en el desarrollo de su historia y su futuro histórico. Además de la búsqueda de la identidad humana y la divinidad trascendental.
- Generación de ruptura:
Generación de Ruptura es el nombre que se le dio al conjunto de artistas mexicanos y extranjeros radicados en México, que en la década de los 50 comenzaron a reaccionar contra lo que percibían como los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura, la cual aglutinaba a los muralistas mexicanos (David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco entre otros) cuya temática nacionalista, izquierdista y revolucionaria había sido la corriente artística hegemónica en México desde el estallido de la revolución mexicana en 1910. La generación de la Ruptura incorporaba valores más cosmopolitas, abstractos y apolíticos en su trabajo, buscando entre otras cosas expandir su temática y su estilo más allá de los límites impuestos por el muralismo y sus ramificaciones. Es de hacer notar que el movimiento no fue jamás organizado ni definido, como tal se daba de modo bastante espontáneo, no era deliberado y las relaciones entre sus miembros fueron más bien informales. Esta ruptura o confrontación se expresó en la oposición entre un arte público que se nutrió de los valores de la Revolución Mexicana y "una pintura de caballete influida por corrientes internacionales reservada a una élite". La nueva generación desarrolló su trabajo artístico en torno a preocupaciones más personales que sociales.
Se ha señalado que la lucha de estos artistas se centró en "la necesidad de ganar un espacio... de romper el monopolio de los canales de difusión y de tener la libertad de experimentar con una serie de estilos y tendencias hasta el momento rezagados en México.
- Arquitectura de la primera mitad sel siglo XX en Mexico:
Mexico en el siglo XX por primera vez en su historia, se encontra ante la posibilidad de ser contemporáneo de las naciones que decidían la orientación de la arquitectura en el mundo. Las primeras obras mexicanas de los novecientos fueron proyectadas por extranjeros, únicos capacitados para abordar su gran complejidad. Tienen estructura de acero y concreto, así como modernas instalaciones hidráulicas y eléctricas, ascensores y teléfonos. Su mismo lenguaje historicista no era percibido en aquella época como anticuado, sino como moderno.
La Arquitectura Mexicana contemporánea se caracteriza por un conjunto de facciones modernistas como lo es la plástica lineal de los volúmenes, los grandes ventanales longitudinales o el funcionalismo extremado. Nacida en la segunda mitad del siglo XX, se diferencia de todo tipo de Arquitectura existente puesto que utilizando referencias del movimiento moderno no hace uso de típico lenguaje neo colonial y californiano de las ciudades que lo circundan.
El muralismo y el funcionalismo son algunas de las principales tendencias de esta arquitectura. Con sus planteamientos racionalistas y anti academicistas. En el siglo XX la arquitectura Mexicana empieza a tener una identidad propia. Al principio todo era una copia de grandes arquitectos, pero poco a poco los arquitectos Mexicanos de esta época empezaron a crear su estilo propio, como Luis Barragán, Mario Panni, entre otros.
- Critica al funcionalismo:
A mediados de los años treinta, el funcionalismo comenzó a ser discutido como un acercamiento estético, más que como una cuestión de integridad de diseño. La idea del funcionalismo fue combinada con la carencia de ornamentación, que es una cuestión muy distinta. Se convirtió en un término peyorativo asociado a las formas más baldías y más brutales de cubrir un espacio, como formas baratas y comerciales de hacer edificios, usados finalmente, por ejemplo en el crítico academicismo de las cúpulas geodésicas de Buckminster Fuller, simplemente como sinónimo de «gauche».
En los años setenta, el preeminente e influyente arquitecto americano Philip Johnson sostenía que la profesión no tiene ninguna responsabilidad funcional de ningún modo, y ésta es una de las opiniones que prevalecen hoy día. Jhonson dijo «No sé de dónde vienen las formas, pero no tienen nada que hacer con los aspectos funcionales o sociológicos de nuestra arquitectura». La postura del arquitecto «posmoderno» Peter Eisenman se basa en un teórico usuario hostil y es incluso más extrema «No hago la función». Los arquitectos más conocidos en occidente, como Frank Gehry, Steven Holl, Richard Meier y Ieoh Ming Pei, se ven a sí mismos sobre todo como artistas, con una cierta responsabilidad secundaria de hacer sus edificios funcionales para los clientes y/o los usuarios.
La discusión sobre el funcionalismo y la estética se enmarca a menudo como opciones mutuamente excluyentes, cuando de hecho hay arquitectos, como Will Bruder, James Polshek y Ken Yeang que procuran satisfacer las tres metas de Vitruvio.
TEAM X
Estaba compuesto por los Smithson, Bakema, Van Der Broek, Candilis, Josic, Woods y Van Eyck. Tange y Kahn fueron incorporados más tarde. La mayoría de estos arquitectos había o se encontraba trabajando con Le Corbusier, Candilis trabajaba de director de obra de él, participando por ejemplo en la Unidad de Habitación de Marsella.
Desde el octavo congreso de los CIAM se plantean cuestionamientos al Modelo Funcionalista, que desemboca en la crisis del noveno CIAM y la preparación para el décimo de una propuesta alternativa que será formulada por la nueva generación de arquitectos.
En el décimo CIAM estos arquitectos plantean una nueva propuesta, que por su naturaleza provoca la disolución de esta organización. Las ideas del Team X pueden reunirse en tres grandes principios: Asociación, Identidad, y Flexibilidad.
Algunos autores hablan de un cuarto principio, el de Clúster, que no es tal porque como explica el propio Van Eyck en el manual del Team X, se trata de un término que ellos utilizan para denominar realidades nuevas que todavía no tiene nombre.
